Dave Skylark (James Franco) e seu produtor Aaron Rapoport (Seth Rogen) conduzem o popular programa de TV sobre celebridades “Skylark Tonight”. Quando descobrem que o ditador norte-coreano Kim Jong-Un é fã do show, eles marcam uma entrevista com ele na tentativa de conseguirem sua aprovação como jornalistas sérios. Mas quando Dave e Aaron se preparam para viajar à Pyongyang, seus planos mudam no momento em que a CIA os recruta, mesmo sendo os homens mais desqualificados possíveis, para assassinar Kim Jong-Un.

Até a data de hoje, no IMDB, com mais de 143 mil votos, o filme rankeou com uma nota de 7,1/10. Enquanto no Rotten Tomatoes o filme tem 52% de aprovação baseado em  89 críticas, com uma média de 5,8/10. E no Metacritic, o filme alcançou 52 pontos de 100, baseado em 31 críticas.

Jordan Hoffman do The Guardian deu ao filme 3 de 5 estrelas e disse: "Se este filme não essencial, mas agradável, realmente desencadeou uma resposta internacional, esta é a vida refletindo a arte de uma forma significativa".

Scott Foundas do Variety pintou o filme como um "afogamento cinematográfico" e disse que ele é "quase tão engraçado quanto uma escassez de alimentos no comunismo, e tão prolongada quanto", mas elogiou o desempenho de Randall Park e Diana Bang.

Mike Hale do The New York Times também elogiou Park and Bang, mas escreveu que "depois de ver "A Entrevista" e o tumulto que sua mera existência tem causado, a única reação sensata é espanto para o enorme desconexão entre a inocuidade do filme e a crueldade da resposta".

A Entrevista estreia no Brasil, no dia 29 de janeiro de 2015 e marca o reencontro de James Franco, Seth Rogen e Evan Goldberg nas telonas. O trio tabalhou juntos em "Segurando as Pontas" e "É o Fim".

Em 20 de junho de 2014, Kim Myong-chol, um porta-voz não oficial do governo norte-coreano, disse que o filme "mostra o desespero do governo dos EUA e da sociedade americana" (...) "um filme sobre o assassinato de um líder estrangeiro reflete o que os EUA fez no Afeganistão, Iraque, Síria e Ucrânia". 

Em 25 de junho de 2014, a Agência Central de Notícias da Coreia (KCNA), a agência de notícias estatal da Coreia do Norte, informou que o governo prometeu uma impiedosa retaliação se o filme fosse lançado, afirmando que "fazer e liberar um filme que retrata um ataque à nossa maior liderança é um ato de terrorismo e guerra e não vai ser tolerado". 

Em 11 de julho de 2014, o embaixador das Nações Unidas, Ja Song-nam, da Coreia do Norte, condenou o filme dizendo que "a produção e distribuição de um filme como este, sobre o assassinato de um chefe titular de um Estado soberano, deve ser considerado como o patrocinador mais indisfarçável de terrorismo, bem como um ato de guerra". Em 17 de julho de 2014, a KCNA escreveu ao presidente dos EUA, Barack Obama, pedindo para ter a estréia do filme cancelado.

Em agosto de 2014, logo após o lançamento, o filme foi adiado para 25 de dezembro. Foi relatado que a Sony tinha feito alterações pós-produção do filme para reduzir a sua insensibilidade para com a Coreia do Norte e que estas alterações incluíram modificações nos modelos de broches usados pelos personagens, originalmente modelado a partir de broches reais usados por militares norte-coreanos, além de planos para cortar uma parte da cena da morte de Kim Jong-un.

Seth Rogen previu que o filme iria causar uma revolução no país e dias depois o "Business Insider" informou que havia uma grande demanda por cópias piratas do filme na Coreia do Norte.

Em dezembro de 2014, hackers emitiram um alerta ameaçando atacar a estréia do filme em Nova York, afirmando: 

"Vamos mostrar claramente a você, no mesmo momento e lugar em que "A Entrevista" será exibido, como o destino daqueles que procuram diversão no terror deve ser condenado. Logo todo o mundo vai ver o que um filme horrível da Sony Pictures Entertainment fez. O mundo vai estar cheio de medo. Lembre-se do 11 de Setembro de 2001. Recomendamos que você mantenha-se distante dos lugares na época. (Se a sua casa está próxima, é melhor você ir embora.) O que acontecer nos próximos dias é responsabilidade da ganância da Sony Pictures Entertainment."

A Sony então cancelou a estréia em Nova York e mais tarde naquele dia, outras grandes redes de cinema, incluindo AMC, Cinemark, Cineplex, Regal, entre outras, cancelaram a exibição do filme supostamente sob a pressão dos shoppings onde muitos cinemas estavam localizados, que temiam que o ameaça terrorista prejudicassem suas vendas.

No mesmo dia, a Sony declarou que não tinha planos para lançar o filme em qualquer plataforma, incluindo vídeo doméstico. 

Em 18 de dezembro, mais duas mensagens foram liberados. Uma delas, enviada em uma mensagem privada para executivos da Sony, afirmou que os hackers não iria liberar mais informações se a Sony nunca liberasse o filme. A outra, postou no Pastebin, um aplicativo usado para o armazenamento de texto que os Guardiães da Paz usaram para mensagens anteriores, afirmou que a Sony tinha "sofrido o suficiente" e que poderia liberar o filme, mas somente se a cena da morte de Kim Jong-un não fosse "muito feliz". A mensagem também ameaçou que, se a Sony fizesse outro filme antagonizando a Coréia do Norte, os hackers "estariam prontos para lutar".

O cancelamento afetou ainda outros filmes que retratam a Coreia do Norte e a Sony recebeu críticas por cancelar o lançamento do longa. 

Peter Bradshaw do The Guardian escreveu que era uma "derrota americana sem precedentes" , mas que "a Coreia do Norte iria sentir o gosto da assombração do bullying que praticaram com eles". 

Em conferência de imprensa, o presidente dos EUA, Barack Obama, afirmou que, embora ele fosse simpático com a necessidade da Sony em proteger os trabalhadores, achou que a Sony tinha "cometido um erro. Não podemos ter uma sociedade na qual algum ditador em algum lugar possa começar a impor a censura nos Estados. Eu gostaria que eles tivessem falado comigo primeiro eu teria dito: não demonstrem que estão intimidados"

O presidente da Sony afirmou que o cancelamento foi em resposta à recusa das redes de cinema em exibir o filme, não às ameaças dos hackers, e que a Sony iria procurar outras maneiras de distribuir o filme. Afirmou ainda que a empresa "é e sempre tem sido fortemente comprometida com a Primeira Emenda: A liberdade de expressão nunca deve ser suprimida por ameaças e extorsão."

E justamente por isso o filme foi finalmente lançado.

País de Origem: Alemanha / EUA
Gênero: Comédia
Ano de Lançamento: 2009
Direção: Todd Phillips

Dois dias antes do casamento, Doug e três amigos vão para Las Vegas passar uma noite inesquecível. Quando os três padrinhos de casamento acordam no dia seguinte, explodindo de dor de cabeça, não conseguem se lembrar de nada. O luxuoso quarto de hotel está um caos e o noivo simplesmente desapareceu. Sem a menor ideia do que pode ter acontecido e correndo contra o tempo, o trio precisa refazer os passos da noite anterior até descobrir quando as coisas começaram a desandar e, de preferência, levar Doug de volta a Los Angeles a tempo para o casamento. Cheio de um humor politicamente incorreto, “Se Beber, Não Case” narra, através de inúmeras situações surreais, como seria uma despedida de solteiro em Vegas fugindo daquele velho clichê strippers e apostas. Um tigre no banheiro do quarto do hotel, uma galinha, um dente a menos em um dos protagonistas e um bebê que aparece do nada trancado dentro de um armário, essas são algumas das situações, a principio inexplicáveis, mas que ao final acaba fazendo algum sentido.

A agilidade do roteiro é um ponto alto e é responsável diretamente pela estrutura do filme que rende história para pelo menos uma semana de viagem, mas narra em apenas dois dias o que aconteceu em uma noite em Vegas. Ou seja, a coisa fica corrida e no final a impressão é a de que foi tudo muito precipitado e apressado demais. A prova disso é que a gente só tem “provas concretas” do que realmente aconteceu naquela noite durante os créditos finais, quando o diretor nos presenteia com as fotos tirada durante a noite da despedida de solteiro. Grande parte da diversão fica ainda nas costas do trio de protagonistas: Helms, Galifianakis e Cooper. Dos três, o melhor pra mim foi o Galifianakis, que creio eu seja o menos conhecido dos três, mas roubava a cena cada vez que aparecia na telona, atuou exageradamente na medida. Todd Phillips tinha nas mãos uma premissa simples (despedida de solteiro em Vegas), mas conseguiu, graças às situações extravagantes do roteiro, executou a narrativa de um jeito que fez toda a diferença, fazendo o filme render muitas risadas e acho que cumprindo o objetivo principal. E é por isso que indico, por um único e simples motivo: diversão garantida.

Cotação: 7,0

Como todos sabem, o Talking About Movies foi convidado para a pré-estréia para convidados do filme Divã, da atriz Lilia Cabral. Estava esperando que o filme estreasse nos cinemas pra poder escrever sobre e, como a estréia foi sexta-feira e só se fala no filme (aqui no RJ pelo menos), aí vai.

Quando eu cheguei pra pré-estreia, Lilia Cabral estava sentada em um café dentro do cinema conversando com amigos. Lilia é o tipo de atriz que estava demorando muito pra conseguir uma chance como esta, de protagonizar uma produção. Suas atuações em novelas são sempre soberbas e, SEMPRE, roubam a cena. Ela é conhecida por dar uma carga emotiva absurda e genuína a todas suas personagens. A Marta de Páginas da Vida, uma vilã que todos, de alguma forma, conseguiam entender. Catarina de A Favorita, que apanhava do marido e, mesmo assim, continuava com ele. Lilia sempre foi, por fim, aquela que fazia suas personagens mulheres de verdade. De alguma forma, percebi, naquele dia, que ela simplesmente fazia de suas personagens a extensão de uma parte dela mesma, seja ela qual for.

Ao abrir a sessão, Lilia falou com o público e, naturalmente, agradeceu a presença de todos e anunciou que assistiriamos em primeira mão o filme com seu corte final e acabamento. Entretanto, foi outra afirmação que me chamou a atenção. "Este filme", disse ela, "não tem nenhuma daquelas complicações. É um filme muito, muito simples. E eu só espero genuinamente que vocês gostem, porque eu amei fazer". E ela não poderia ter definido melhor o que teriamos pela frente.

Sim, Divã é um filme muito simples. Mas nunca isso se torna um defeito. Talvez mais pelo elenco do que pelo seu texto, realmente, o filme é delicioso da primeira cena à última. Mercedes (Lilia) é uma mulher que se declara feliz, completamente. Tem uma vida muito boa, com seu marido (José Mayer, que, pela primeira vez, não é o bruto garanhão) e dois fillhos e vive sorrindo com sua amiga Mônica (Alexandra Richter, excelente). Até o belo dia que resolve ir ao psicólogo e revira sua vida ao avesso, indo de um novo corte de cabelo à atitudes mais drásticas.

Lilia cabral é o centro e motor do filme. Brilhante, ela carrega o humor sem cair no exagero e no caricato da mulher de meia idade bancando a adolescente. Até mesmo as piadas clichês que, sim, o roteiro tem, ficam naturais quando declamadas por ela. E, nesse ponto, a química com Alexandra - que fez dupla com ela na versão teatral da peça - ajuda bastante. Reynaldo Gianechinni também está, para mim surpreendentemente, bem, e sua cena com Lilia no carro é impagavel. Entretanto não só de humor vive o filme. Afinal, se fosse assim, não seria uma personagem de Lilia Cabral. Humana, Mercedes sofre. E faz todos chorarem dentro do cinema, com uma verdade absoluta em seus olhos. A cena dela no hospital é nada menos que brilhante.

Não vi a peça - sucesso absoluto -, confesso. Mas acredito que a versão cinematográfica tenha feito algum bem a história. São mais cenários e mais desenvoltura para desenvolver a trama, que, no teatro, se resumia a poucos personagens e, em sua maior parte, pelo que me contaram, em Lilia sentada em seu famoso Divã do título. Mas sei que o grande tempo em cartaz no país também trouxe seus beneficios. Não duvido em nada que Lilia estivesse brilhante desde a estréia, mas tenho certeza que o tempo fez com que personagem e atriz se confudissem: hoje, Lilia é Marta, mesmo que suas vidas tenham tido rumos diferentes. Lilia respira, sofre e ri como ela própria no filme. Em seu simples e delicioso filme. Três vivas para Lilia Cabral.

PS: Parabéns a todos que participaram e venceram a promoção de nosso blog, mesmo que feita em cima da hora. Os vencedores foram comunicados por e-mail e tenho certeza, curtiram tanto quanto nós o filme. Publicamos, aqui, uma das melhores respostas que tivemos:

Quem Precisa Ir Pro Divã?
Resposta de Felipe J.S. da Rocha:
Rubens Ewald Filho. Para o cara chamar a Laura Dern de feia, só pode ter problema.

O número fala por si só.
Fenômeno absurdo de público, como não se via há um bom tempo com um filme brasileiro (Tropa de Elite foi um fenômeno, sim, mas nas barracas de camelô), Se Eu Fosse Você 2, de Daniel Filho, traz nova esperança pros produtores nacionais. O velho preconceito de filme brasileiro = qualidade precária teria finalmente acabado? Aparentemente, sim.

E não é sem motivos. Desde Central do Brasil, passando pelo aclamado (justíssimamente) Cidade de Deus, atropelando bandidos com tortura em Tropa e rindo deliciosamente com este filme que é o assunto deste texto, as produções brasileiras tiveram um upgrade notável de qualidade, principalmente em sua parte técnica, já que a criatividade brasileira é característica mundialmente conhecida (e premiada) há décadas. Mas, diferentemente de seus antecessores, Se Eu Fosse não se prende somente a isso, e é em outros aspectos que vai conquistar seu público.

O enorme motivo é a dupla de protagonistas. Mesmo o roteiro sendo baseado num clichê que já foi usado e abusado em Hollywood e por eles próprios na primeira versão do filme, Glória Pires e Tony Ramos fazem com que absolutamente tudo valha a pena. São dois gênios oriundos das telenovelas que sabem brilhar se apoiando apenas em pequenos detalhes. E, como brilham. Antes de ir para o mérito da troca de corpos que baseia todo o roteiro, peguemos uma cena somente: tente fazer com alguém uma cena igual a da briga no elevador, em que os dois discutem falando as mesmas frases ao mesmo tempo. Hmmm...

Além desses pequenos detalhes que já estamos acostumados em ver na tela pequena, temos a deliciosa troca de corpos. Tony Ramos é um monstro. Faz com que todos riam do início ao fim, com pequenas sutilezas, sem exagerar na afetação da voz e se segurando apenas em pequenos movimentos das mãos, no andar expressões faciais como poucos conseguem. Ainda mais numa era onde o botox impera. Glória Pires também está muito bem, segurando seus ombros, pisando firme no chão e empostando sua voz. É uma grande atriz e sabe brilhar. Mas Tony é simplesmente genial.

Se Eu Fosse Você 2 encanta o público por dois motivos: um, por ser uma comédia leve e muito divertida, que todos nós precisamos em tempos de João Hélios, Isabella Nardonis e etc, mesmo sendo somente mais do mesmo em seu roteiro. Dois: Tony Ramos e Glória Pires.

Sabe quando você cria toda uma expectativa em cima de um filme? Ainda mais quando é chamado de comédia e tem, tipo, umas mil estrelas hollywoodianas no elenco? Pois é, e, infelizmente, geralmente essas expectativas é que derrubam o filme. Acho que foi isso que me fez simplesmente não sentir muita graça (ou qualquer outra sensação, pra ser sincero) em Queime Depois de Ler. Acho que o nome que os irmãos Coen ganharam na minha cabeça depois do Oscar do ano passado e ter Tilda Swinton, Brad Pitt, George Clooney, John Malkovich e Frances McDormand no elenco afetaram ainda mais a expectativa, sei la.

Sei que não consegui ver muito bem qual era a intenção do filme todo. Só sei que era comédia porque era assim que o filme vinha sido descrito pra mim sempre. Acho que a premissa era muito boa: Linda (Frances) é uma mulher de meia idade, insatisfeita com seu visual mas que não pode pagar cirurgias plásticas; Chad (Pitt) trabalha com ela em uma academia e tem o cérebro de um esquilo. Juntos, encontram um cd com as memórias de um ex-funcionário do Departamento de Estado dos EUA (Osbourne Cox, John Malkovich) que julgam serem informações secretas e valiosas e, resolvem, então chantageá-lo. Cox, por sua vez, acabara de ser “demitido” da Inteligência e está em crise no casamento com sua esposa Katie (Tilda), que o trai com um amigo, Harry (Clooney), um paranóico, casado, mas mulherengo, que mais a frente vai ter um affair com Linda, que conhece pela internet.

Depois de escrever isso tudo, vejo que dá pra entender o porque dessa confusão e falta de definição: são muitas coisas acontecendo ao mesmo tempo, muita gente pra desenvolver, a mesma sensação que tive ao assistir Bobby. Mesmo sabendo que a idéia era de produzir um humor mais inteligente, meio negro, acho que seria melhor desenvolvido se o roteiro explorasse melhor a idiotice de Chad, ou a paranóia de Harry ou de Linda. Aliás, esses dois últimos são a meu ver os que rendem as melhores cenas do longa, os únicos momentos realmente cômicos – como no qual ele revela a ela o “projeto” em que estava trabalhando e na última cena dos dois juntos. O Cox de Malkovich, numa tentativa de humorização de sua tragédia, soa meio exagerado. A única personagem que se revela realmente cômica e boa nisso tudo é mesmo Linda (o Chad de Pitt está meio caricato), com a qual Frances faz um trabalho excelente - assim como J.K. Simmons em sua participação com Chefão da CIA. Fora isso, tudo passou meio batido. Afinal, é pra queimar depois de ler o que, mesmo?

Antes de mais nada, Feliz Ano novo, pessoas!!! Agora, vamos ao que interessa, sim? Adaptações de livros para o cinema geralmente geram controvérsias e muitas vezes são mal-sucedidas no quesito fidelidade e acabam por desgostar muitos fãs da obra literária. Mas eu sempre fico curioso com relação a filmes assim e sempre corro pra ver. Ainda mais quando se trata de um best seller como Marley & Me. Não li o livro, confesso, mas minha irmãzinha querida de 12 anos devorou o livro em poucos dias e releu, releu, releu, assim como várias outras pessoas que conheço. Dessa maneira, imaginei que o filme fosse atrair alguns curiosos. Mas não esperava chegar no cinema com uma hora e meia de antecedência e encontrar a sessão que eu buscava lotada. Muito menos ter que chegar com 40 minutos para entrar na fila da sessão de 23h40(!!) e perceber, mais tarde, que esta também ficaria lotada. Surpresa pra mim, que tinha ido ver um simples “filme de cachorro, de sessão da tarde”

Só que Marley e Eu não é só um filme de cachorro bobo. Acho que tirei essa idéia (errada) de que só poderia ser isso tendo Owen Wilson como protagonista. Imaginei eu que me divertiria basicamente com algumas piadas prontas e com a beleza estonteante de Jennifer Aniston – mais linda do que jamais esteve, no alto de seus 39 anos. Errado de novo. Sim, é uma históra de cachorro, uma comédia com algumas piadas prontas, mas é bem mais que isso. É um filme sobre o dia-a-dia de todos nós.

Marley é o tal pior cachorro do mundo, de acordo com seu dono John (Owen), que chega para atrasar os planos de Jen (Aniston), esposa de John, de ter filhos. Chega e, ao invés disso, dá início à família dos dois – que no fim teriam mais 3 crianças. Marley é puro carisma em forma de cachorro. Não tem jeito, você vai se lembrar do seu próprio cachorro e, se não o tiver, vai querer comprar um. E esse é o grande mérito do roteiro do filme. Tudo é feito de uma forma que faz com que cada um da platéia se veja ali dentro. Começo, inclusive, a acreditar que a escolha de Owen como protagonista venha com esse intuito – não é um Tom Cruise da vida, alguém inatingível. Aliás, Wilson surpreende, pelo menos a mim, passando bastante verdade nas cenas de drama do filme. A comédia do filme funciona muito bem também, não surpreendentemente – já que o timing de Jennifer e do próprio Owen já são conhecidos. A cena do adestramento é impagável.

Ao fim do filme, minha irmã ao meu lado soluçava, de cara inchada e vermelha, assim como muitas pessoas saindo do cinema. Não é à toa: o filme toca quem o assiste, na mesma intensidade que diverte. E colocar criancinha chorando no fim é covardia, vai. A fã ardorosa do livro saiu satisfeita, missão cumprida. Saí eu também satisfeito, surpreso, e entendendo o porque do livro ter sido um sucesso, assim como porque o autor do livro e protagonista Grogan ter sido melhor sucedido nas colunas do que nas reportagens em si: John sabe retratar o dia-a-dia como ninguém.

Vicky (Rebecca Hall) e Cristina (Scarlett Johansson) são duas grandes amigas que vivem fases diferentes da vida: a primeira está prestes a se casar com um bem-sucedido executivo e a segunda é uma aspirante a atriz (a segunda vivida por Scarlett em um filme de Allen) vive deixando-se levar pelos acontecimentos, por pura emoção. Quando Vicky decide ir a Espanha completar seus estudos de pós-graduação, Cristina, obviamente, segue junto com ela. Lá, conhecem Juan Antonio (Javier Bardem), um pintor que é o estereótipo clássico do amante latino, sedutor e extremamente confiante em si mesmo, que havia ficado famoso em seu país após um desastroso e violento divórcio com Maria Elena (Penélope Cruz). Juan Antonio cisma com as duas americanas e praticamente as convoca a passar um fim de semana em Oviedo, apreciando os pontos turísticos e, em suas próprias palavras, “fazendo amor” com ele. Após muita relutância da responsável Vicky, as duas partem com o homem para a viagem e, depois disso, tudo muda.

Woody Allen tem um humor característico e neste filme não é diferente. Apesar de me irritar um pouco com as narrações contínuas, o humor neurótico do diretor e roteirista está em sua boa forma. Rebecca Hall - indicada ao Globo de Ouro de melhor atriz de filme de comédia ou musical pelo papel - está muito bem como a complexa e indecisa Vicky, sendo, inclusive, mal aproveitada em detrimento da atual queridinha de Allen, Scarlett, que está bem e deslumbrante como sempre, mas oferecendo mais do mesmo em um papel quase que repetido. Javier, o latino da vez de Hollywood, está bem também, mas a estrela do filme é mesmo Penelope Cruz, como a enlouquecida Maria Elena, também indicada ao Globo de Ouro - de atriz coadjuvante - pelo papel . Apesar de entrar depois da metade da película, Penelope rouba a cena com um timing perfeito de comédia e uma interação e química inexplicável com Javier e até mesmo com Scarlett. No fim das contas, fica a sensação de que se o filme fosse somente entre Javier, Penelope e Rebecca, o resultado teria sido genial, mas mesmo assim, é uma boa diversão.

País de Origem: Inglaterra / EUA
Gênero: Comédia / Romance
Ano de Lançamento: 2008
Direção: Bharat Nalluri

Baseado no livro homônimo de Winifred Watson, a história trata de um dia na vida de Guinevere Pettigrew (Frances McDormand), uma governanta de meia-idade que se vê, mais uma vez, despedida injustamente. Sem sequer receber indenização e com a firme intenção de dar uma reviravolta na sua vida, Miss Pettigrew conclui que precisa aproveitar o momento. É quando ela conhece Delysia Lafosse (Amy Adams), uma cantora e aspirante a atriz, que lhe oferece um emprego como "secretária social". Mal chega ao apartamento de luxo, Miss Pettigrew é catapultada para a espiral sedutora e estonteante do mundo social de Delysia.

Em minutos, Miss Pettigrew se vê arrastada para um ambiente de muito glamour e também muitas intrigas. Ela tenta ajudar a sua nova amiga Delysia a conduzir a sua vida amorosa e a sua carreira, ambas complicadas por causa de três homens que andam à sua volta: Michael (Lee Pace), um pianista apaixonado por quem ela realmente é, Nick (Mark Strong), o dono do clube noturno onde ela se apresenta e Phil (Tom Payne), um jovem empresário que prometeu a ela o papel principal em sua nova produção teatral. Nas próximas 24 horas, Guinevere e Delysia vão se ajudar a encontrar os seus próprios destinos.

É um filme simples, em termos de enredo, escrito por David Magee e Simon Beaufoy, mas foi muito bem conduzido Bharat Nalluri (Tempo de Matar), que homenageou a "screwball comedy", um gênero muito comum na década de 40, época em que se passa o filme. Aliás, a reconstituição de época é muito eficiente, a predominância de cenas internas deu vez aos detalhes das mobílias, utensílios domésticos e aos próprios figurinos, ao invés de arquiteturas, publicidades e automóveis de época, que é o mais comum, e que também acontece aqui, mas em menor escala.

O que me chamou a atenção mesmo ao filme foi talentosíssima Amy Adams, que voltou aqui a roubar todas as atenções, assim como em Retratos de Família, quando recebeu uma indicação ao Oscar de Best Performance by an Actress in a Supporting Role. Amy integra uma interpretação estupidamente boa e juro que nem é exagero de fãzóide. É fato que ela vem confirmando, a cada filme, seu grande talento. Mas enfim, além dela o filme ainda conta com o talento da Frances McDormand, não ficando para trás numa solida interpretação como Miss Pettigrew, da Shirley Henderson, do Ciarán Hinds e do Lee Pace, o Ned de Pushing Daisies.

Será que é possível arranjar uma nova vida e encontrar o verdadeiro amor em um só dia? Essa duas mulheres estão prestes a descobrir isso, nessa leve comédia, com muito charme e glamour e muito divertida de se assistir.

Cotação: 8,5

Dedication é uma história de amor moderna na qual Henry Roth (Billy Crudup), um autor de uma série de livros infantis, é forçado a trabalhar com a bela ilustradora Lucy Reilly (Mandy Moore) após a morte do seu antigo ilustrador e melhor amigo Rudy Holt (Tom Wilkinson). Porém existe um problema, Henry é misantrópico, ele tem aversão a sociedade e, além disso, tem umas manias estranhas como quando está ansioso demais ele precisa dormir com algo pesado em cima dele pra se sentir seguro. Em meio a esses problemas e manias luta para esquecer os fantasmas da sua vida amorosa recentemente fracassada e descobre que as vezes é preciso se deixar levar para descobrir o verdadeiro amor.

Quando eu penso a respeito do gênero, comédia romântica, a primeira palavra que me vem à cabeça é clichê. Mas “Uma História de Amor, que marca a estréia do Justin Theroux na direção, e que se enquadra nesse gênero, foge desse estereótipo sem muito esforço. O Theroux mistura drama com comédia e romance de maneira inteligente e acaba transformando o filme em uma obra não apenas sobre o amor, mas também sobre os dramas do escritor que decide lutar contra aquilo que o perturba, nos presenteando com uma obra sensível, contagiante, e que, aos poucos, torna os personagens agradáveis aos olhos do espectador.

Um dos pontos altos do filme é o elenco. Muito bem escolhido. O Billy Crudup domina todas as cenas numa caracterização impressionante fazendo o personagem hiperativo e sem medo de falar o que pensa numa construção que corresponde exatamente ao que o roteiro pede. O Tom Wilkinson, sempre excelente, entrega mais um trabalho do qual ele pode se orgulhar, ele é o porto seguro do personagem do Billy e sabe agir como tal. A Mandy Moore, também entrega um trabalho redondinho, não desafina na atuação em momento algum. E além desses três principais eu acho que é uma obrigação falar da Dianne Wiest, que faz a mãe da Lucy, uma pessoa difícil de agradar e que vive colocando pressão na filha para que pague o aluguel do apartamento que mora e que pertence a ela (Carol), excelente também.

Cotação: 8,0

O filme conta a história de um programa de radio que é gravado ao vivo numa cidade do estado de Minessota. Apesar desse tipo de programa já não ser mais produzido há muitos anos, “A Prairie Home Companion” resistiu e continua indo ao ar todo sábado à noite. Mas a rádio foi comprada por um grupo do Texas, que pertence ao personagem do Tommy Lee Jones, que vai transformar o teatro onde o programa é gravado em um estacionamento. O filme trata especificamente da última noite do programa.

Os principais números musicais são das Irmãs Johnson (Meryl Streep e Lily Tomlin), e dos cantores caubóis Dusty e Lefty (Woody Harrelson e John C. Reilly) que só cantam bobagens de duplo sentido e fazem piadas em suas músicas, para desespero do estressado diretor do programa (Tim Russell) e sua assistente (Maya Rudolph). Lindsay Lohan é Lola Johnson, a filha de Meryl, que escreve poesias sobre suicídio e consegue uma chance de cantar no show e Kevin Kline é o detetive que procura emprego como porteiro e serve de narrador da trama. Ligando todos, está o apresentador do show, GK, vivido por ele mesmo: Gerrison Kellor. E em meio a tudo isso, um anjo, Virginia Madsen, vaga pelos camarins, amenizando a dor de algumas perdas.

Tomlin e Streep estão espetaculares como a dupla de irmãs caipira, assim como os ótimos Woody Harrelson e John C. Reilly. Todo mundo cantando bem as canções cafonas, mas com letras super criativas e engraçadas. Durante o programa eles lêem cartas dos fãs e fazem propaganda dos anunciantes através de jingles publicitários. O interminável, e engraçadissimo, anúncio de uma fita adesiva só perde para o anúncio de uma pizzaria satirizando “La Donna è Móbile”, de Verdi. Ótima sacada!

Em "A Última Noite", Altman mostra precisão ao entrelaçar as vidas dos mais variados personagens sem perder o fio da meada, nem cair na superficialidade. O humor simples, discreto e bizarro, no palco, é tão infalível quanto natural. É um filme que dá vontade de rever não só pelas ótimas atuações, principalmente dos quatro cantores principais, como também pelos criativos e divertidíssimos jingles publicitários.

Alison Scott (Katherine Heigl) é promovida a apresentadora de tevê do canal em que trabalha e para comemorar, vai a uma festa onde encontra Ben (Seth Rogen), um nerd de vinte e três anos que insiste em viver como um adolescente, com uma vida regada de drogas, pornografia e muita irresponsabilidade. Depois de muita bebedeira, os dois vão a casa dela, onde acabam transando e o que parecia ser um relacionamento de uma noite só, muda quando Alison descobre estar grávida. Ela decide ter o bebê, - uma forçada de barra (mulher inteligente, bem sucedida e madura namorando um babaca sem futuro) necessária para que o filme possa acontecer - e Ben se vê num dilema moral, entre a responsabilidade e sua tão adorada liberdade. E é aí onde está o carisma do personagem e conseqüentemente do filme.

Aliás, o Rogen não tenta aliviar a construção do seu personagem levando o espectador a esperar que a Heigl desista dele, já que está claro que ela merece alguém melhor. E sendo assim, o ator cria um desafio de reconquistar não apenas a apresentadora, mas também o público. A Heigl por sua vez, encontra o equilíbrio perfeito entre a comédia e o drama - exibindo sua frustração com a imaturidade do seu parceiro e ‘materializando’ o desespero de sua personagem com a gravidez inconveniente.

Apremissa é aparentemente bobinha, mas rendeu uma comédia inteligente, construída de piadas que têm origem na sincera identificação do público com o que acontece. O humor do roteiro não está em caretas, repetições ou movimentos bruscos, ou seja, no exagero, mas no desconforto das situações, na vergonha, na timidez, na falta de tato. É um pouco longo para uma comédia (2h10), mas é muito divertido.

Não demora até termos a confirmação de que Moses é realmente um vigarista de carteirinha. Ele viaja pelo Kansas com um carro cheio de bíblias de luxo, tem um dente de ouro em seu sorriso convincente e uma lista de mulheres que ficaram viúvas recentemente e que estão prestes a cair em um dos golpes dele. Juntos eles viajam aplicando esses golpes e se metendo em algumas deliciosas confusões. Ambos os personagens ganham força devido suas personalidades. Eles discutem durante todo o tempo, por causa de dinheiro e pelo hábito de Addie fumar escutando rádio novelas, por exemplo.

As atuações desse filme são excelentes. O Ryan O’Neal, que é mesmo pai da Tatum, está muito carismático no pele desse vigarista mulherengo. Por falar em mulherengo, ele acaba, teoricamente, se envolvendo, com uma dançarina que rende também uma boa trama para o filme e que é vivida por Madeline Kahn, que chegou a concorrer com Tatum O´Neal ao oscar de Melhor Atriz Coadjuvante. Tatum se consagrou, em Lua Papel, como a atriz mais nova a ganhar o Oscar na história de Hollywood. Muito mais que natural, a menina está impressionante; domina todas as cenas do filme, ou com sua figura angelical ou com seus planos mirabolantes ou com sua conversa diabolicamente doce em alguns momentos.

Lua de Papel não trata-se apenas de uma comédia politicamente incorreta, também possui todos os elementos de um road movie com muitos planos longos e movimentos de câmera excepcionais. Tem um roteiro muito bem escrito (ganhou uma indicação ao oscar por melhor Adaptado) e diálogos excelentes. Ou seja, imperdível!

Cotação: 10,0

*****

Moses: Também tenho escrúpulos, você sabe o que significa escrúpulos?
Addie: Não, eu não sei. Mas se você tem isso, deve ser de outra pessoa.

Saneamento Básico - O Filme
País de Origem: Brasil
Gênero: Comédia
Ano de Lançamento: 2007
Diretor: Jorge Furtado